Dieecke

Santiago Julio 2009

INTRODUCCIÓN COLECTIVA UFT

La exposición colectiva de la Universidad Finis Terrae trata de la transformación de energía, de la investigación de material y del significado de la repetición contra lo individual. El contexto del arte, la historia y  entorno del artista son puntos que también son tratados por el grupo de los 7 artistas.

Sus motivos y formas son muy diversos y la constelación parece interesante respecto a los paradigmas e ideas presentadas, en este sentido, la muestra colectiva de la Universidad Finis Terrae es diferente a los inicios de las exposiciones colectivas. Estas se pusieron de moda en los siglos 18 y 19 en Europa y hubo semejanza e igualdad del medio del arte, obras de diferentes artistas fueron colgadas densamente una al lado de otra en estilo académico, obras representadas en bastidor y tela, pintura al óleo y que muchas veces eran de igual formato.

Con la ramificación de los estilos de arte, la evolución y el uso de varios medios que no consistían solamente en pintura sino también esculturas, instalaciones, y posteriormente fotografía y proyecciones, la práctica de curatoría también cambió, permitiendo más libertad al organizador de la exposición. De esta manera no solamente fue posible exponer obras de diferentes formas sino también combinarlas en una misma muestra aunque tuvieran paradigmas, temas e ideas que diferían. En este sentido la exposición colectiva de la Finis Terrae consiste de diferentes elementos y medios. Una instalación de papel se encuentra al lado de una pintura. Una proyección de imágenes  al lado de dibujos sencillos. Una serie de trabajos que parecen estampados están al lado de papel perpetuado en su estructura por efecto del agua.

En conjunto, con la diferencia de forma de los trabajos expuestos en la colectiva de la UFT, las ideas y temas conceptuales también varían y tienen un amplio marco.

El trabajo Atrenzado de Francisca Silva trata de la sociedad abierta, de la posibilidad de utopías y de circunstancias que permitan la participación social. Basado en papel como material blando, manejable y frágil, Silva pide ayuda y cooperación a su entorno para producir la obra. En ese sentido, al cambiar su forma, también cambia su relación de un trabajo individual a uno colectivo. Especialmente en una muestra colectiva como la presente, este trabajo muestra un punto interesante y cuestiona no solamente el colectivismo dentro de la misma obra,  sino también la relación entre las posiciones en la exposición. El papel que sale del techo de la galería tiene diferentes colores y toma el espacio mientras que al mismo tiempo deja huecos que permiten la vista a lo de atrás. Así la relación con las otras también cambia dependiendo del punto de vista del espectador.

Como segundo trabajo que trata del ambiente del arte es la obra de Clemente del Río. Aquí el enfoque es el entorno del mismo artista y como se relaciona con sus alrededores, los que influyen a la vez  en su trabajo. Como en el trabajo de Silva, aquí también se investiga la variabilidad del entorno y como éste es analizado por el artista en la constitución de diferentes elementos. En ese sentido, del Río trabaja con elementos constitutivos de la pintura para  transformarla de su función original, como un mero medio, a ser el tema mismo del arte. Así descontextualiza y cuestiona la práctica artística.

El trabajo de las series A, B, C, D, E, F, G de Benjamín Ossa contrasta con los trabajos blandos y frágiles de papel que parecen estampados, muestra una forma totalmente distinta de practicar el arte – y a su vez contribuye a la diversidad de la muestra colectiva. La obra de Ossa trata de la transformación de energía. El pone la pregunta de igualdad y diferenciación, alejándose del poder narrativo de las imágenes. Más que eso, cuestiona su forma de ser y como la apariencia de la misma cantidad de formas cambia cuando se transforman, quedando a la vez en lo mismo - es decir, cambia la forma sin alterar la masa. El origen permanece igual, como en el caso de la transformación de energía. En vez de presentar una narración, Ossa abre un espacio en el cual lo vacío entre los 49 trabajos toma importancia.

Otro contrapunto es el trabajo narrativo, serie “Ejercicios para descubrir y recorrer” de Cynthia Jackson, dibujos dúctiles en papel, que como en el trabajo de Ossa, tienen todos el mismo formato, son vinculados para contar una historia de espontaneidad y posibles errores. Aquí se hacen presentes las imperfecciones, la relación entre dibujo y fondo y la vida propia que adquieren las figuras. Situaciones absurdas y personajes que persiguen objetivos extraños persiguen el encuentro inmediato con el espectador. Las temáticas son el humor, la limitación del arte en su medio y como pueden ser superados estos mismos.

El trabajo Ejercicio 9 / Make’s Beauty de Santiago Salvador parece tener  calidad narrativa, como revela  personas haciendo ejercicio físico, que a primera vista, parecen contar su propia historia. Pero se repiten y a su vez ganan el carácter de una óptica masiva. Aquí se relaciona con el trabajo de Ossa en el cual la repetición tiene también mucha importancia. Al mismo tiempo retoma la temática de individualidad y colectivismo de la obra de Silva. Salvador usa la técnica de pintura y la aplica a un trabajo que debido a su apariencia óptica parece ser más de gráfica o imprenta. La fuerza física del ejercicio se pierde en la masa y de ahí adquiere un doble sentido interesante. Lo individual de la expresión física disminuye y cambia por el panorama. Así existe la presencia de lo individual, sin el cual la repetición no sería posible, juntos con su transformación al panorama.

El trabajo “Hay alguien ahí dentro?” (3ra fase) de Maite Zabala a su vez habla más de la individualidad y experiencia personal, aquí también la repetición de la misma figura en un libro ó, más aún, la proyección del mismo interesa a la artista. Pero la intención es más contar la experiencia individual que trata de la distancia y del autorretrato que uno siempre tiene que redefinir, cuando se está en un contexto o país desconocido. Así el trabajo de Zabala muestra una figura que parece fija y estática pero a la vez cambia su apariencia en cada una de las imágenes en las cuales aparece y desaparece, entonces la misma figura adquiere narrativa e influencia en su entorno.

En el exterior de la galería se encuentra el trabajo Buling de YISA. Con el graffiti, el artista usa un medio joven y poco convencional y plantea su obra en un lugar que parece fuera de la muestra de la galería aunque al mismo tiempo es parte de la colectiva porque los guardianes a su vez llaman la atención de los transeúntes y parecen invitar a la galería y al mismo tiempo vigilan las obras que están adentro. Con su trabajo YISA cuestiona e investiga sobre la pintura tradicional y de esa manera propone un polo opuesto a la colectiva que se presenta en el espacio cerrado de la galería y más común en el mundo del arte contemporáneo. Al mismo tiempo el graffiti trata de temas parecidos y los retoma a su propio modo. Los guardianes saludan y despiden al visitante de la colectiva UFT e invitan a enfrentarse con el arte, en ese sentido el trabajo produce un efecto relacionador y permite tanto a conocedores como a curiosos a acercarse a la muestra. De esta manera se produce una confrontación antes de entrar a la muestra para luego enfrentarse con las otras obras y temas planteados por la COLECTIVA UFT.

Stefanie Hessler/dieecke/agosto/2009