PINTA is a unique event exhibiting annually – for sale through the participating galleries – the best of Latin American art, coinciding with Christie’s and Sotheby’s Latin American art auctions and with important exhibitions in museums and cultural institutions in New York City.
The fair organizers have invited the most prestigious galleries from the United States, Latin America and Europe to participate in this event. Thus, PINTA will be an exclusive fair which will include the participation of fifty select art galleries showing museum-quality works representative of abstract, concrete, neo-concrete, kinetic and conceptual art, as well as of other contemporary art movements.
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PINTA es un evento anual único que exhibe para la venta importantes trabajos de Arte Latinoamericano mediante distintas galerías participantes que, coinciden con Christie´s y Sotheby´ e importantes exhibiciones de museos y centros culturales de Nueva York.
Los organizadores de la feria invitan a las galerías más prestigiosas de Estados Unidos, Latinoamérica y Europa para participar en este evento. Además PINTA es una feria exclusiva que incluye la participación de cincuenta galerías de arte seleccionadas de alto nivel con trabajos de cualidades museales representantes de la abstracción, el concreto, neo-concreto, cinético y arte conceptual como también otros movimientos de arte contemporáneo.
Por Gerardo Pulido(Artista y profesor universitario)
La entrevista recoge un intercambio de correos electrónicos entre Catalina Bauer y yo. La artista corroboró toda la información que aquí aparece. El motivo de la correspondencia fue su exposición individual Chacra, realizada en la galería Die Ecke (Santiago, Chile) entre el 13 de noviembre y el 19 de diciembre de 2009.
1. Conocí el trabajo de Catalina Bauer hace años atrás, en reproducciones. Lo vi en directo, por primera vez, en la exposición colectiva ETER (Centro de Extensión UC, Santiago, Chile). Allí estaba su obra Mapa (2005): incontables bolsas transparentes que, colgadas en el muro y conteniendo agua, dibujaban la silueta de los cinco continentes. Mi relación con el trabajo de Catalina, al poco tiempo, se extendió a su persona, entablando una amistad y embarcándonos en proyectos colectivos.
Ciertamente, carezco de objetividad pero me jacto de cierto conocimiento: he seguido de cerca las inquietudes artísticas de Catalina y el conjunto de su obra por cuatro años consecutivos. Agregaría que la amistad, en ningún caso, ha estado exenta de una crítica profesional.
Declaro dicha relación porque, además, la considero atingente con la obra. El constante ejercicio de alrededor de una década de trabajo, por parte de la artista, presenta la particularidad de insistir en la importancia de las relaciones humanas en la experiencia estética. Pero la exposición quiere ir más allá.
“Trabajar colectivamente en la confección de un tejido y dar lugar a una serie de acciones, situaciones y relaciones, son experiencias expresamente buscadas para reconocer aquello que es anterior al arte y sus problemas: esa capacidad de comunicarnos, de asociarnos y, en el intercambio, construir un contexto”. Son palabras del borrador del comunicado de prensa de Chacra, escrito por la artista.
Chacra está dominada, en tamaño y énfasis, por una obra que lleva el mismo título: un tejido hecho de pitilla de nylon, compuesto de círculos yuxtapuestos, manufacturado por Catalina y un grupo de mujeres del Taller de Tejido de La Casa de la Mujer de Huamachuco (Población Huamachuco, Renca, Chile). Dicho sea de paso, Huamachuco rememora la batalla entre Perú y Chile (Guerra del Pacífico) acontecida en la ciudad peruana con igual nombre, rica todavía en costumbres locales, en artesanías, de hecho. ¿Cuándo la colaboración se transforma en su opuesto?
Volvamos a la obra. Su abundancia de colores blancos y claros exacerba su textura y, mediante ella, la urdimbre y la trama, o sea, el tejido. Por su parte, es el tiempo, más que el espacio, lo que viene limitando las relaciones sociales; el tamaño del taller y de la galería le son algo ajenos al tejido monumental, concéntrico, de crecimiento centrífugo. Quizás no sea nada de curioso que Chacra asemeje a una ciudad, urbanizada desde el centro. O a un líquido, expandiéndose por la gravedad. O a un tronco, con sus anillos de crecimiento.
El tejido de Catalina, de cierta manera, está inacabado. “Comprendo ahora que la obra tiene vida propia, como cualquier organismo, y que uno hace una parte y el resto se hace prácticamente solo”, declara la artista. Chacra equivale a su propio límite. Esa es su naturaleza, su potencia, en todo el sentido de la palabra. De este modo, lo que vemos en la galería conforma un resultado impuesto, lo que alcanzó a ser, a hacerse. Los círculos de pitilla son distintas fijaciones de rangos temporales de ejecución, conformando una suerte de quipu.
La artista extiende el intercambio social inherente a todo arte, entre un autor y un receptor, a la fabricación de la obra. El tejido social se hace literalmente tejido en Chacra, enfatizando la transacción propia de las relaciones interpersonales. Esto último lo patentaba otro trabajo, llamado me place (2004): en la inauguración de su exposición (con igual nombre), Catalina ofrecía pan a las visitas; ella había previamente construido muebles naranjas y blancos, acompañándolos de plantas, de una fotografía y de unas letras hechas de pan (que formaban la palabra “bienestar”) (Galería Bech, Santiago, Chile).
La sociedad artista-espectador, tan propia del arte, diferenciada y privada, modifica su naturaleza en el “tejido circular”, convirtiendo a varias personas en auténticas productoras. En me place, el espectador también producía, pero consumiendo a la obra, al pie de la letra.
2. Vienes mostrando tu trabajo en varias exposiciones colectivas. Hace unos meses, tú y yo, participamos de una exhibición junto a tres artistas. La gestión y la curaduría fueron realizadas por nosotros cinco. Para la ocasión, hiciste Columna (2009): una suerte de pilar compuesto de numerosos elásticos de oficina, confeccionado por tus manos y, sobre todo, por las de varios estudiantes (Material Ligero: Five Chilean Artists Travelling Light, VCA Margaret Lawrence Gallery, Melbourne, Australia). Ahora exhibes una obra manufacturada colectivamente tras varios meses de trabajo. ¿Cuál es la importancia que le asignas a la colaboración en tu obra y en el arte?
- Bueno, las dos experiencias que mencionas, Material Ligero y trabajar en La Casa de la Mujer de Huamachuco, son, en verdad, de las pocas que he tenido al respecto. La motivación para trabajar colectivamente surge, en inicio, de la necesidad de ayuda, de necesitar manos para realizar obras de gran escala o, al menos, obras grandes para ser hechas sólo por mí. Entonces, la razón es más bien práctica.
En Australia las cosas anduvieron como un reloj: me encontré con personas muy generosas e interesadas y con el plan bien armado desde un comienzo. No hubo espacio para las sorpresas y el resultado fue tal como lo imaginé. No ha sido así con Chacra. El contexto es otro, muy distinto al de Melbourne, donde el grupo era formado por estudiantes que frecuentaban la misma Escuela de Arte, lugar donde, a su vez, se encontraba la galería. Es decir, todo estaba muy sintonizado con el arte; además, se trabajaba en forma intensiva durante tres a cuatro días.
Huamachuco dio pie a muchos movimientos (ajustes y desajustes) en casi un año que nos dimos para realizar la obra. ¡Hacía tiempo que mi programa de trabajo había pasado a segundo plano! Tuve que aceptar la idea de ir dirigiendo la obra en el camino, según se fuera dando. Este es un aspecto que encuentro valioso de trabajar con otras personas: el hecho de que ellas inevitablemente intervienen la obra y la modifican.
En un comienzo, me costó asumir que las cosas se escaparan de mi control. Al rato me di cuenta que todo el sentido del trabajo estaba ahí, en esa plasticidad. Te explico: el plan de trabajo comprendía varias etapas, pensadas en la construcción de una imagen, abstracta o esquemática, ya hablaremos de eso. Primero, cada una de las mujeres integrantes del taller (las que en el camino fueron cambiando; unas se retiraban y otras se iban uniendo) recibía un ovillo de kilo de pitilla de nylon, además de la instrucción de tejer desde un centro en forma circular. Una vez acabado el cilindro, se daba por terminado el círculo con un borde de color; luego se unían dos círculos y se comenzaba con un nuevo cilindro, uno por persona. También se empezaba a contornear esa nueva forma hasta terminar y, de nuevo, se cerraba una etapa con un borde de color. A esas alturas habían surgido muchas sorpresas: unas tejían suelto y otras apretado, unas rápido y otras muy lento. Lo que yo imaginaba como una “danza” casi perfecta tuvo que buscar varios acomodos.
Las mujeres comenzaron a buscar su par, a su socia. Las vecinas más cercanas se organizaban para llevarse el tejido y avanzar durante la semana. Aclaro que cada ovillo tejido significaba pagarles $15.000. Algunas personas, más que otras, quisieron rentabilizar el esfuerzo.
Ciertos días, yo regresaba feliz del taller, porque veía que las cosas estaban fluyendo bien. Pero había otros días, sobre todo en el invierno, donde me quedaba “la escoba”, porque las personas fallaban mucho: se enfermaban o tenían que ir a cuidar nietos o el marido perdía la pega (y tenían que ponerse a trabajar a tiempo completo en otra actividad). En este último tiempo, en cambio, el grupo se afirmó y el hecho de ver la magnitud del trabajo que estábamos haciendo, pienso, las motivó mucho. Como a mí.
Creo que lo interesante de trabajar en colaboración, ha sido avanzar en un proyecto sin controlar todos sus aspectos. Saber reconocerlo fue darme cuenta que, en definitiva, mi material respondía no sólo a una idea inicial, sino a un contexto dado por quienes estaban participando. Pero también comprendí que esto no sería irrepetible ni tan evidente; es probable que quienes vayan a Die Ecke vean un tejido grande y no sean capaces de detectar nada que describa el contexto en que fue hecho, ya que en cualquier taller de tejido hubiéramos llegado a algo similar. Entonces, no tengo claro si lo de Humachuco pueda ser realmente un argumento de la obra. Me refiero a que cualquier grupo de personas, todas tejiendo lo mismo, generarían, muy probablemente, un acabado con distintas “manos”, con zonas más regulares que otras, con puntos apretados, con puntos sueltos, en fin.
¿Qué hace de la experiencia algo particular y único? Tal vez nada que yo pueda mostrar en la exposición. Tal vez, todo se reduce a lo que fue para nosotras vivir un momento. Finalmente, no sé si esto es un problema de arte. Para mí, tiene mucho sentido embarcarme en una experiencia de tales características y me imagino que parte de ella me dará pie para nuevos proyectos.
3. No hablamos de una familia, ni de amigas, en rigor, sino de una comunidad unida por el hacer: un taller, una fábrica en estado embrionario. Pero, como sugería Catalina, se busca un excedente humano en la tarea: el chiste, las risas, el consejo, el chisme, el aprendizaje vital, la donación misma como impulso, compleja, irracional, como parece ser. Al respecto, señala la artista: “me recuerda la relación que uno tiene con la abuela, donde, por medio del cariño, los conocimientos son traspasados como un bien o patrimonio. Como las culturas antiguas hacían”.
¿Cuándo se transforma el dar en un cálculo por la recompensa? ¿No hay, siempre, intereses en él? A primera vista, la noción de sociedad y del arte implicada en la obra de Catalina resulta esperanzadora. Sus letras de pan prometían “bienestar” y, en general, muchas de sus ideas están basadas en la cooperación. El título de su “escultura” alude a la entrega constante de cuidados, para el caso, hacia cultivos pero, también, remite a ciertos motivos para tal dedicación. Cito a la artista: “un chacra es una cuestión distinta a un tejido, no sólo como técnica, sino también en sus funciones y en las necesidades que cubren (…). Pero en ambos casos hay recursos organizados en forma más o menos regular para que, en su capacidad de ligar partes y construir ciclos, generen un beneficio”.
¿Cuál es el beneficio que la autora busca con su trabajo? ¿Para quién? ¡No olvidemos que los espectadores de me place eran alimentados por Catalina! Chacra internaliza los roces propios del poder, en específico, la relación inevitablemente vertical entre un artista y un asistente; la lucha de clases; el conflicto todavía irresuelto entre el arte y las “artes aplicadas”; la experiencia versus quien ha vivido la mitad o, simplemente, mejor.
De un taller comunitario pro-superación de la pobreza a una galería de arte comercial; de Renca a Providencia; de lo colectivo a la promoción individual; de la tradición textil a la pieza de arte contemporáneo; de las manos curtidas al índice que señala (“esto es arte”). Todos son polos y tránsitos que tanto absorbe como emana la obra. La tensionan internamente y, de paso, tensionan la utopía social comprometida en ella, convirtiendo a Chacra en un resultado, sin duda, perturbador.
4. El movimiento Arts and Crafts, la Bauhaus y el constructivismo ruso son, en distintas proporciones, rememorados en la obra de Catalina. No sólo por el ideal social y artístico que perseguían, sino por sus iconografías. ¿Cabe el término aquí? Le pregunto al respecto.
Mucho de lo que tú haces puede definirse como abstracto. ¿Cómo crees que te ligas al llamado “arte abstracto” y cuánta relevancia le asignas a éste en tu obra?
- Reconozco que hay una serie de cosas que he hecho, intermitentemente, que son abstractas. Hace años, cuando mis hijas eran muy pequeñas, yo aún pintaba cuadros de puntitos. Hacía muchos al mismo tiempo. Los puntos los pintaba con las cabezas de varios clavos de distintos números. Era un trabajo bien mecánico y me relajaba mucho hacerlo, porque no me exigía mayor “compromiso intelectual” y, en definitiva, era como estar tejiendo.
Ahora, con los tejidos a crochet, tanto en Chacra como en otras obras (más pequeñas), la imagen nace a partir de un programa o de un plan de trabajo: tejer desde un centro, en forma circular, rodeándolo todo el tiempo. El diseño lo definí así, porque te da un punto de partida pero no te fija un límite. Ello se amarra a una idea que tengo del tejido o del tejer como la construcción de un espacio propio (reflexivo). La posibilidad de avanzar y crecer, a su vez, es una forma de expandirse, de expandir tu territorio. Es una abstracción definida tanto por un esquema de trabajo como por el ingrediente azaroso que comentaba en la respuesta anterior.
Creo que en mi trabajo no hay mucho de “expresión abstracta” o, bien, lo abstracto no es realmente un problema fundamental. Busco que lo expresivo se lo lleve, sobre todo, el material. Lo hemos conversado bastante tú y yo: transformar un material, que tiene una función o un uso determinado, en algo distinto; que se distancie lo más posible de nuestro reconocimiento habitual y que alcance, en esa transformación, una ambigüedad inquietante. Pero no se trata sólo de eso sino, también, de que lo alcanzado por el material devele lo implícito del gesto, es decir, la
técnica.En el caso del proyecto en Huamachuco, la técnica no sería la del crochet, sino la del trabajo en equipo; en concreto, cuando cada participante potencia un círculo inicial en una especie de red o tejido mayor. Asimismo y aunque suene cursi, la imagen abstracta sería, en realidad (para quienes la hicimos), habernos conocido y haber podido, durante unos meses, estrechar lazos.
5. Asombra, en Chacra, el trabajo involucrado. Las numerosas horas, las numerosas manos, la gran cantidad de material; el tan sólo imaginar a Catalina al mando de la realización de su “monumento de pitilla”. Columna y Mapa tenían mucho de esto. Algunos materiales ceden o colapsan en el transcurso de su/la exposición. Por ejemplo, la artista tuvo que reponer periódicamente las bolsas de Mapa. En paralelo, varias obras citan el hecho de abastecer emocional y materialmente un hogar.
Es recurrente en tu trabajo aludir al esfuerzo, a los altibajos y a los deberes que decide la vida doméstica. ¿Cuál es el valor que le concedes a la práctica artística en un país como Chile, donde los artistas, con suerte, pueden superar la mera subsistencia?
- En verdad, me siento privilegiada de poder dedicarme al arte, al menos en una parte de mi tiempo. Creo que ser artista y tener familia es un lujo que no todo el mundo se puede dar. Invertir en la propia obra, tanto en recursos económicos, como en trabajo y en tiempo, revela una abundancia que no siempre se reconoce. Entonces, por ahora prefiero no quejarme. Me he quejado en otras oportunidades, sin duda. Muchas veces me he sentido damnificada por la sociedad, que no valora a los artistas, que no nos compra las “genialidades” que hacemos. Pero veo que es una cuestión de contrastes: cuando me comparo con un futbolista profesional, pienso que un artista profesional debiese ser igualmente bien pagado, pero cuando uno observa que la gran mayoría de las personas, prácticamente, no tiene tiempo ni para los hijos y menos para ellos mismos, mejor quedarse callado, ¿no?
Ahora bien, al pensar el problema en forma aislada, en relación al medio artístico, ser artista en Chile, por supuesto, tiene sus “pendientes” y antes eran mayores. Sin embargo, esto puede tener algo positivo, que me gusta. Será la empatía con el esfuerzo que siempre estoy aludiendo en mis trabajos. Me gusta el desafío que la situación requiere: hacer algo importante con poco, dar vuelta las cosas, como intenta hacerlo cada día La Casa de la Mujer. Por eso el “modelo doméstico” me ha servido tanto, en parte, porque mi realidad está muy marcada por lo doméstico; también, porque dicho modelo expresa de manera más cercana y directa una relación con nuestras necesidades básicas de subsistencia.
Ser artista en Chile tiene el privilegio de hacerte parte de lo mucho que queda por hacer, experiencia que te mantiene con los pies puestos en la tierra. Al menos para mí, todo ello es una suerte, porque yo no podría producir un trabajo de arte en condiciones demasiado favorables. ¡Como Demian Hirst o Jeff Koons, por ejemplo! Seguramente me atontaría o terminaría siendo una mera productora de objetos bellos. No es lo que me interesa. El mercado del arte, si bien lo necesito, me basta en dosis pequeñas, como estímulos pasajeros. Pienso que las situaciones de mayor esfuerzo y trabajo me acomodan para poder ser artista. Eso me conmueve.
Die Ecke Arte Contemporáneo participó en la primera feria de arte contemporáneo en Santiago.
Ch.ACO es la primera feria de arte contemporaneo que se organiza en Santiago de Chile. Es una plataforma de encuentro entre todos los actores principales del mercado del arte. A traves de Ch.ACO se crean nexos de comercializacion nacionales e internacionales. Es un espacio que situa el arte chileno en el mundo y fomenta su valor patrimonial localmente. Es una fiesta para todos.
Die Ecke Arte Contemporáneo expone la exhibición individual de la artista Ales Villegas titulada “Batalla Espacial”, la cual estará abierta al público desde el sábado 3 de octubre hasta el sábado 7 de noviembre 2009.
La muestra se plantea como una serie de preguntas, divagaciones o reflexiones varias, tales como, ¿podrán las cosas dejar de ser cosas? ¿Sabe el objeto que es objeto en cuanto las cosas saben que son cosas? ¿Qué sienten los electrodomésticos cuando los desenchufan?; ¿Se pueden regenerar los objetos cual organismos vivos? ¿Podrán los objetos sobrevivir al hombre, eterno y final? Preguntas que es necesario formularse al momento de analizar la obra BATALLA ESPACIAL,
Pero ¿cuál es el universo de Ales Villegas en su Batalla Espacial? La obra se plantea como un recorrido, compuesto por una acumulación de objetos o “proyectos de objetos”, según la autora “embriones”, los cuales se “toman” lugares o recintos, como esporas u hongos o virus mentales, obligando a los visitantes/ exploradores a recorrer el espacio. Cada visitante es obligado a perderse en los laberintos de la memoria. Es por tanto, un ejercicio de memoria y olvido, de divisiones espaciales, de percepciones. De ahí viene el título, pues cada individuo es sometido a una verdadera batalla. Hombre-objetos enfrentados en una lucha de sobre vivencia.
¿De qué clase de monstruos estamos hablando? Como otrora Andrés Vesalio, anatomista del imperio, quien en su obra se preocupó de realizar un estudio acabado del cuerpo humano, Ales Villegas lo hace de los objetos-embriones y, con paciencia de taxidermista de objetos, los unes, los replica, los estudia y tal como los renacentista, cuando observaban el cuerpo humano, se sentían asombrados, Ales Villegas hace ciencia de una ciencia que no existe.
La obra destaca la importancia de la disección y de lo que alguna manera se podría llamar la visión “anatómica” del cuerpo cosístico y escultural, el cual se regenera cual ser vivo, en distintas partes del recinto, en este caso Galería Die Ecke. La artista continuará, durante el mes de octubre, trabajando en la obra, en cartón piedra, simulando embriones de objetos, arquitecturas, dándole vida a lo que no tiene vida. En la Batalla Espacial de Galería Die Ecke, los visitantes podrán interactuar con este monstruo espacial-mental, recorrerlo, ser testigos de las regeneraciones/mutaciones de estos mismos. Los visitantes tendrán la posibilidad de ver las cosas desnudas de su propio ser, de la pérdida de su propia ontología.
Según la artista, ella siempre pierde en la Batalla Espacial.
Die Ecke Arte Contemporáneo expone la muestra COLECTIVA UFT con la participación de los artista Benjamín Ossa, Clemente del Río, Cynthia Jackson, Francisca Silva, Maite Zabala, Santiago Salvador y YISA.
Die ecke junto a la Dirección Académica de La Facultad de Artes de la Universidad Finis Terrae han organizado una colectiva de jóvenes artistas egresados de esa casa de estudios con el objetivo de exponer un cuerpo de obra que sea a fin a la línea curatorial de la galería, contemporánea y experimental.
Los artistas fueron invitados por die ecke a presentar obra especialmente preparada para la exposición en la cual encontraremos piezas abstractas y analíticas como en el caso de Ossa y del Río, como también discursos narrativos de imaginería propia como en el caso de Jackson y YISA, la sensualidad táctil y sensorial estará a cargo de la escultura de Silva, el color a cargo de la pintura de Salvador y la luz, la imagen y el movimiento a cargo de Zabala.
En resumen la COLECTIVA UFT refleja la nueva y sólida escena del arte contemporáneo local de la cual la Facultad de Artes y die ecke son parte.
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Santiago Julio 2009
INTRODUCCIÓN COLECTIVA UFT
La exposición colectiva de la Universidad Finis Terrae trata de la transformación de energía, de la investigación de material y del significado de la repetición contra lo individual. El contexto del arte, la historia yentorno del artista son puntos que también son tratados por el grupo de los 7 artistas.
Sus motivos y formas son muy diversos y la constelación parece interesante respecto a los paradigmas e ideas presentadas, en este sentido, la muestra colectiva de la Universidad Finis Terrae es diferente a los inicios de las exposiciones colectivas. Estas se pusieron de moda en los siglos 18 y 19 en Europa y hubo semejanza e igualdad del medio del arte, obras de diferentes artistas fueron colgadas densamente una al lado de otra en estilo académico, obras representadas en bastidor y tela, pintura al óleo y que muchas veces eran de igual formato.
Con la ramificación de los estilos de arte, la evolución y el uso de varios medios que no consistían solamente en pintura sino también esculturas, instalaciones, y posteriormente fotografía y proyecciones, la práctica de curatoría también cambió, permitiendo más libertad al organizador de la exposición. De esta manera no solamente fue posible exponer obras de diferentes formas sino también combinarlas en una misma muestra aunque tuvieran paradigmas, temas e ideas que diferían. En este sentido la exposición colectiva de la Finis Terrae consiste de diferentes elementos y medios. Una instalación de papel se encuentra al lado de una pintura. Una proyección de imágenesal lado de dibujos sencillos. Una serie de trabajos que parecen estampados están al lado de papel perpetuado en su estructura por efecto del agua.
En conjunto, con la diferencia de forma de los trabajos expuestos en la colectiva de la UFT, las ideas y temas conceptuales también varían y tienen un amplio marco.
El trabajo Atrenzado de Francisca Silva trata de la sociedad abierta, de la posibilidad de utopías y de circunstancias que permitan la participación social. Basado en papel como material blando, manejable y frágil, Silva pide ayuda y cooperación a su entorno para producir la obra. En ese sentido, al cambiar su forma, también cambia su relación de un trabajo individual a uno colectivo. Especialmente en una muestra colectiva como la presente, este trabajo muestra un punto interesante y cuestiona no solamente el colectivismo dentro de la misma obra,sino también la relación entre las posiciones en la exposición. El papel que sale del techo de la galería tiene diferentes colores y toma el espacio mientras que al mismo tiempo deja huecos que permiten la vista a lo de atrás. Así la relación con las otras también cambia dependiendo del punto de vista del espectador.
Como segundo trabajo que trata del ambiente del arte es la obra de Clemente del Río. Aquí el enfoque es el entorno del mismo artista y como se relaciona con sus alrededores, los que influyen a la vezen su trabajo. Como en el trabajo de Silva, aquí también se investiga la variabilidad del entorno y como éste es analizado por el artista en la constitución de diferentes elementos. En ese sentido, del Río trabaja con elementos constitutivos de la pintura paratransformarla de su función original, como un mero medio, a ser el tema mismo del arte. Así descontextualiza y cuestiona la práctica artística.
El trabajo de las series A, B, C, D, E, F, G de Benjamín Ossa contrasta con los trabajos blandos y frágiles de papel que parecen estampados, muestra una forma totalmente distinta de practicar el arte – y a su vez contribuye a la diversidad de la muestra colectiva. La obra de Ossa trata de la transformación de energía. El pone la pregunta de igualdad y diferenciación, alejándose del poder narrativo de las imágenes. Más que eso, cuestiona su forma de ser y como la apariencia de la misma cantidad de formas cambia cuando se transforman, quedando a la vez en lo mismo - es decir, cambia la forma sin alterar la masa. El origen permanece igual, como en el caso de la transformación de energía. En vez de presentar una narración, Ossa abre un espacio en el cual lo vacío entre los 49 trabajos toma importancia.
Otro contrapunto es el trabajo narrativo, serie “Ejercicios para descubrir y recorrer” de Cynthia Jackson, dibujos dúctiles en papel, que como en el trabajo de Ossa, tienen todos el mismo formato, son vinculados para contar una historia de espontaneidad y posibles errores. Aquí se hacen presentes las imperfecciones, la relación entre dibujo y fondo y la vida propia que adquieren las figuras. Situaciones absurdas y personajes que persiguen objetivos extraños persiguen el encuentro inmediato con el espectador. Las temáticas son el humor, la limitación del arte en su medio y como pueden ser superados estos mismos.
El trabajo Ejercicio 9 / Make’s Beauty de Santiago Salvador parece tenercalidad narrativa, como revelapersonas haciendo ejercicio físico, que a primera vista, parecen contar su propia historia. Pero se repiten y a su vez ganan el carácter de una óptica masiva. Aquí se relaciona con el trabajo de Ossa en el cual la repetición tiene también mucha importancia. Al mismo tiempo retoma la temática de individualidad y colectivismo de la obra de Silva. Salvador usa la técnica de pintura y la aplica a un trabajo que debido a su apariencia óptica parece ser más de gráfica o imprenta. La fuerza física del ejercicio se pierde en la masa y de ahí adquiere un doble sentido interesante. Lo individual de la expresión física disminuye y cambia por el panorama. Así existe la presencia de lo individual, sin el cual la repetición no sería posible, juntos con su transformación al panorama.
El trabajo “Hay alguien ahí dentro?” (3ra fase) de Maite Zabala a su vez habla más de la individualidad y experiencia personal, aquí también la repetición de la misma figura en un libro ó, más aún, la proyección del mismo interesa a la artista. Pero la intención es más contar la experiencia individual que trata de la distancia y del autorretrato que uno siempre tiene que redefinir, cuando se está en un contexto o país desconocido. Así el trabajo de Zabala muestra una figura que parece fija y estática pero a la vez cambia su apariencia en cada una de las imágenes en las cuales aparece y desaparece, entonces la misma figura adquiere narrativa e influencia en su entorno.
En el exterior de la galería se encuentra el trabajo Buling de YISA. Con el graffiti, el artista usa un medio joven y poco convencional y plantea su obra en un lugar que parece fuera de la muestra de la galería aunque al mismo tiempo es parte de la colectiva porque los guardianes a su vez llaman la atención de los transeúntes y parecen invitar a la galería y al mismo tiempo vigilan las obras que están adentro. Con su trabajo YISA cuestiona e investiga sobre la pintura tradicional y de esa manera propone un polo opuesto a la colectiva que se presenta en el espacio cerrado de la galería y más común en el mundo del arte contemporáneo. Al mismo tiempo el graffiti trata de temas parecidos y los retoma a su propio modo. Los guardianes saludan y despiden al visitante de la colectiva UFT e invitan a enfrentarse con el arte, en ese sentido el trabajo produce un efecto relacionador y permite tanto a conocedores como a curiosos a acercarse a la muestra. De esta manera se produce una confrontación antes de entrar a la muestra para luego enfrentarse con las otras obras y temas planteados por la COLECTIVA UFT.
Yo vine al mundo bajo el signo de Saturno:
el astro de revolución más lenta, el planeta
de las desviaciones y demoras.
Walter Benjamin
La oscuridad ha sido siempre objeto de atención para artistas, poetas, físicos, niños temerosos y melancólicos en general. Las zonas inhabitadas por la luz fueron estudiadas sistématicamente por Leonardo, quién en algún momento pronunció “l’ ombra è privazzione di lucce … l’ombra è di natura delle tenebre”. Sombrío, oscuro, negro son adjetivos que libremente empleados refieren a ciertos estadíos o destinos de algunos espíritus satunirnos.
El negro instala un sentido, sobre él, Patricio Gil Flood y Paulina Silva Hauyon edifican operaciones materiales, establecen referencias a veces literales, y otras herméticas, todas las obras se encuentran ancladas en otras obras. Eligen refererirse irónicamente sobre este punto cuando titulan la exhibición Black Cover Version, que al mismo tiempo funciona como juego de palabras sobre un texto anterior – que cualquier seguidor de Pulp o curioso con acceso a google podrá decodificar y quizá reirse del chiste
Un color – o su carencia- es el hilo constructor de tramas poéticas que giran alrededor de problemáticas como el estatuto de la ficción, la pintura como entidad material productora de narraciones, la re- definición del dibujo en objeto a partir de la línea.
Las variaciones espacio – temporales recorren este corpus que transita la ubicuidad absoluta y la incertumbre más nebulosa, es en ese espacio donde se abre el detournement , un desvío, la grieta en el horizonte de lo previsible.
También hay otras cosas…algo de criminalidad domesticada habita en estas obras, un eco de las palabras de Hamlet “en mí hay algo peligroso, que más te vale temer.
Die Ecke Arte Contemporáneo inaugurará el próximo 29 de mayo 2009 a las 19:30 horas la muestra CULTIVO ZONIFICADO de la artista Julen Birke, la cual estará abierta al público hasta el viernes 3 de julio.
La exhibición de Julen Birke indaga en los imaginarios de los cultivos agrícolas y de los sistemas de zonificación utilizados en los espacios urbanos. La muestra esta compuesta por seis volúmenes (estructuras) que contienen un “cultivo” de 240 lechugas, las que se encontrarán en su fase intermedia de desarrollo, estas lechugas que iniciaron su proceso en almacigueras hace aproximadamente dos meses en el taller de la artista continuaran creciendo al interior de la galería hasta culminar el ciclo natural de esta hortaliza. El hecho que este trabajo se iniciara en el taller de la artista ha permitido monitorear el proceso de crecimiento paso a paso, como si estuviera preparando el “material” para la ejecución de la obra que se exhibe.
Junto a estos volúmenes, que por su naturaleza están en constante cambio, la artista dispone en los muros una serie de dibujos que refieren a los procesos de cultivos y a los sistemas de crecimiento, finalmente en el trabajo de Julen Birke la naturaleza se convierte en objeto, y este a su vez, en obra.
La Ciudad de Buenos Aires ofrece al mismo tiempo la belleza arquitectónica de su pasado suntuoso, la excitante vida nocturna de una ciudad cosmopolita y la sensualidad y cadencia de sus raíces latinoamericanas.
Estas características se deslizan y escurren en una intensa producción artística en el circuito de museos, centros y galerías de arte establecidas y alternativas, donde algo está pasando.
arteBA Feria de Arte Contemporáneo, el evento cultural más concurrido de la ciudad de Buenos Aires y el más importante de Latinoamérica, condensa esta energía y se convierte en un polo turístico y centro de negocios.
Por la Feria transitan los más destacados coleccionistas y personalidades de la cultura, ávidos por descubrir propuestas diferentes, por inspirar nuevos aires y no simplemente más de lo mismo.
Es este el momento en que las galerías exhiben sus mejores obras de arte latinoamericano, ofreciendo al público su encuentro con piezas de colección, como así también el momento donde los nuevos espacios de la región presentan los artistas más jóvenes enmarcados en las últimas tendencias, aquellos que no es posible hallar en otras ferias.
En 2009 Die Ecke Arte Contemporáneo participó por primera vez en ArteBA.
No es posible determinar el momento exacto en que una cosa comienza a parecer otra. Sin embargo, y contra todo nuestro esfuerzo, ese momento llega. A veces esa cosa comienza a parecerse a nada, como si entrara en un espacio sin dioses ni leyes: por ejemplo, cuando se repite muchas veces una palabra, sucesivamente, y al cabo de un rato ya ni se sabe qué significa. Se nos es imposible saber cuándo exactamente eso que teníamos tan bajo control, tan codificado, se convierte en un sonido, o un ruido, o un borrón en el espacio. No se puede saber con precisión.
Pero de que pasa, pasa.
Y todo lo que queda en el estado anterior, aquel que estaba lleno de ideas perfectamente asociables a su respectiva representación, se convierte en desperdicio. Entonces, ¿dónde quedó nuestra distancia, nuestra pronunciación perfecta, cuando eso tan exclusivamente humano que decíamos a voluntad una y otra vez se apoderó de nosotros y nos convirtió en puro ruido?
Desperdicio de esa costumbre de mirar las obras de frente y a un metro cuando sin darnos cuenta estamos dentro de ella. Desperdiciados recipientes plásticos que de tanto y tantos no sabemos si son de la colación de ayer o pura basura intacta. Valioso o no tan valioso tiempo lanzado al aire para repetir innumerables veces el mismo gesto de amontonar materia de la más noble -léase entre unas comillas que no me dio la gana poner - una y otra vez, pensando que son moscas, o pensando que son nada, como quién abusa de la palabra menos deseada. Desperdicio de cualquier experiencia atesorada si en un momento no se sabe si verse seducido o repugnado, de si esto está clínicamente limpio o es invisible material en descomposición. Si nada nos da una pista de si vamos hacia lo más dulce o derechamente a la descomposición más impecable.
Pista es la nueva exhibición de nicoykatiushka (NyK), donde han creado una paleta de colores hackeando televisores CRT. Cada televisor tiene 3 cables por donde llegan los colores a la pantalla -rojo (R), verde (G) y azul (B)- con los que experimentaron hasta descubrir que cruzándolos, conectándolos a tierra y a otras fuentes de poder, se podía generar una nueva paleta de colores. A partir de este proceso, NyK presentan una serie de instalaciones y serigrafías que materializan los experimentos realizados entorno a los sistemas cromáticos de la televisión.
Las dos instalaciones principales, RGB y CMYK, consisten en monitores intervenidos de tal modo que cada uno funciona en un solo color. En ambos trabajos, las TVs miran hacia el suelo rozando el piso, y a su vez dejan en evidencia las partes que las componen: cables, mecanismos diversos y sistemas de funcionamiento. De esta manera, revelando los procesos técnicos en los que han estado enfocados, las 7 serigrafías también responden a esta línea de trabajo más mecánico, donde las tecnologías y los nuevos medios con que suelen trabajar no se han incorporado del todo. Sin embargo, la obra Whisper actúa como contrapunto, al mantener cierta conexión con las video instalaciones que han venido desarrollando desde el inicio de su colaboración en el año 2003.
